martes, 15 de enero de 2013

Cerabella

Historia y evolución

La historia de Cerabella comenzó a finales del s.XIX, en 1862, cuando una mujer del Pallars dejó el pequeño pueblo donde vivía para aventurarse en la ciudad. Francesca Abella montó un pequeño taller donde fabricaban cirios en la Plaça del Pedró en el barrio del Raval de Barcelona, en una época en que la luz del sol se usaba para blanquear la cera y las velas iluminaban las noches oscuras.

La modernización de la sociedad, con éxitos tan evidentes como el uso generalizado de la bombilla eléctrica, también transformó la manera de entender el oficio de la cerería, que tuvo que reinventarse a lo largo de las cinco generaciones que sucedieron a la fundadora.

A partir de los años 60, la empresa empieza a evolucionar, transformando poco a poco sus productos para que se adapten a la nueva sociedad, dándoles un carácter marcado por el diseño. La empresa apuesta por la calidad y la investigación para convertir la fabricación de las velas, un método de iluminación ancestral, en una creación constante de formas, perfumes, colores y usos.


Entre el pequeño taller del casco antiguo de la ciudad y la fábrica actual, han pasado 150 años de búsqueda y desarrollo que han hecho pervivir este oficio singular, esencialmente manual y pausado. 

Colaboraciones

La empresa se ha ido expandiendo poco a poco a lo largo de los años hasta llegar a ser conocida mundialmente. Para algunos diseños han contado con la colaboración de muchos diseñadores conocidos como son: Ailanto, Ricardo Bofill, Luki Huber, Jordi Labanda, Javier Mariscal, Antonio Miro, André Ricard, Michele Oka Doner, Hiroshi Tsunoda y Sybilla, entre otros. Al contar con piezas únicas de autor, hace que se promueva la empresa y a los diseñadores.














También han ganado varios premios de escaparatismo, y se han publicado diversos artículos en prensa: Home and LifeStyle, Habitania, Telva, Apartamento Magazine, Woman, El País, Expansión, La Vanguardia, entre otros.

Todo esto, ha ayudado a la empresa a obtener innumerables beneficios tanto económicos, como culturales y creativos. Siendo productos artesanales de diseño, constituyen un punto fuerte para el crecimiento económico del país. 



Me parece interesante destacar la coleccion de velas aromáticas 1862 Barcelona CandlesSu principal particularidad se encuentra en que cada pieza de la colección está relacionada con un barrio concreto de Barcelona, ​​tanto su diseño como el aroma que desprende la cera. La primera serie de 1862 Barcelona Candles está dedicada a El Raval, el Barrio Gótico, la Barceloneta, el Park Güell, la Ciudadela, la Estación de Francia, la Boquería y la Rambla.

Loewe y Meryan


LOEWE rescata la técnica del Cordobán en un diseño barroco del S.XXI
Loewe nace en 1846 y se posiciona rápidamente entre uno de los mayores proveedores de artículos de piel de todo el mundo. Es a partir del S.VIII cuando el cuero cordobán español, comienza a ser un must-have para las monarquías europeas. El furor por esta técnica viene de lejos.
Desde entonces, las colaboraciones entre Loewe y diversos artesanos españoles, se han convertido en una tradición maravillosa. Las mejores manos de nuestro país, se ponen al servicio del taller madrileño de la firma, cuna de todas sus creaciones.
A día de hoy, Loewe es una marca de carácter internacional, que mantiene ese equilibrio entre artesanía, innovación, tradición y excelencia.




Colaboración
A principios de 2012, Loewe comienza una nueva colaboración con un conjunto de artesanos con solera, la familia López-Obrero. No es la primera vez que Loewe colabora con Meryan, un taller cordobés que se dedica a la creación artesana de cordobanes y guadamecíes. Se ubica en una pequeña callejuela cerca de la mezquita. Una casa idílica, donde venden y fabrican sus productos.
Loewe había diseñado unos dibujos barrocos que debían ser  “labrados” en la piel. José Rodríguez, encargado del proyecto en Meryan, fue capaz de adaptar los volúmenes y hacer el repujado a mano. A posteriori,  se mandaron de vuelta a Madrid para que los artesanos de Loewe, los utilizaran para crear bolsos y cinturones.







Qué supone esta colaboración
Para Loewe, supone seguir con su carácter artesanal. Su propia identidad aboga por una constante renovación de las técnicas tradicionales españolas y por mostrar al mundo el orgullo que siente por sus raices y su gente. Para este pequeño negocio del centro de Córdoba, es todo un honor. Comprenden que la difusión de su trabajo, gracias a Loewe, es mayor de la que habrían podido imaginar. Han elaborado un total de unos 600 bolsos, 200 cinturones y 50 billeteros. Una edición limitada para Loewe, varios meses de mucho trabajo para Meryan y un producto de lujo muy exclusivo para su comprador. En Meryan confían en que esta colaboración le de prestigio al trabajo del cuero repujado de Córdoba y que se revalorice. Y por supuesto, esperan que este trabajo conjunto, no acabe aquí.



Martín Azúa, es un diseñador español, nacido en el País Vasco, aunque actualmente reside en Barcelona. El hecho de que haya nacido en un entorno natural hace que sus diseños se acerquen a la naturaleza y posean un romanticismo rural especial que hace que sus productos sean diferentes al resto de los que pueden hacer otros diseñadores.
La alfombra Trepitjada, que significa pisada en catalán, es un proyecto que desarrolló a partir de los asientos “ Get Up esparto”  en los que se usó el esparto como estructura de asiento. Esta alfombra al igual que los asientos se ha construido en el mismo material, aunque con otro tipo de cosido y montaje.
Se trata de una pieza única diseñada para la empresa Camper en Seattle, de ahí la referencia a los calzados que hace la empresa con la que colabora habitualmente.
La técnica se centra en la construcción de piezas, imitando las suelas de las alpargatas, a partir de esparto realizadas por mujeres de la región de Murcia.
Se trata de una técnica muy tradicional en la zona del mediterráneo, tanto en Francia, España como en África. Esto ha constituido la recuperación de ésta técnica artesanal ya en desuso dando como resultado generando nuevos puestos de trabajo a mujeres del  sector artesanal murciano.
En cuanto a los beneficios aportados en este proyecto, por un lado el diseñador ofrece una nueva visión a este trabajo artesanal aportando un diseño innovador a un objeto y una técnica tradicional. Además la colaboración entre el diseñador y los artesanos produce una experiencia enriquecedora para ambos, al compartir diversos conocimientos, por un lado tradicionales y por otro actuales, que pueden ayudar al diseñador en futuros proyectos y a los artesanos en futuras colaboraciones con diseñadores interesados en esta técnica. 
Además de fomentar  la creación de nuevos puestos de trabajo, para estos artesanos, también los impulsa para trabajadores de otros sectores como ejemplo transporte, proveedores,diversos fabricantes de la materia prima, etc.
Para la sociedad es bueno fomentar la recuperación de las técnicas artesanales para que no queden en el olvido y se recupere el concepto de esparto como algo posiblemente innovador. En cuanto a los aspectos medioambientales, el uso de este material favorece la preservación del planeta.
Del mismo modo ocurre con el proyecto de muñecos de futbolín de Alegría Industries. 
Este proyecto nace como una solución a su mala experiencia en el mercado de los souvenirs y a su testimonio: “No es posible que se vendan a los turistas recuerdos de España de mala calidad, pésimo diseño y producción china”. 
Este producto consiste en la reproducción de los jugadores del mítico futbolín español, convertidos en imanes de nevera.
Como explican sus creadores: “En Alegría Industries nos interesamos por la historia del futbolín y descubrimos que Justo y Manuel fabrican a mano los recambios de las mesas desde hace 40 años. Tallan con un torno en Toledo y pintan uno a uno muñecos del Real Madrid, del Barcelona y del Atléti. 100% hecho en España.” 
Esto llevó a que el diseño resultante fuera un producto que recuperase la técnica, dándole un plus, pudiéndolo vender como un producto innovador, muy cuidado y 100% Marca-España.

Lámpara aplique pared Air, LZF




Lámpara aplique pared Air

Diseñada por Roy Power en 2008 y fabricada por la empresa española Luzifer (LZF)


El aplique Air de pared ha sido diseñada por el irlandés Ray Power. Dimensiones: 23x33h cm.




El diseñador, Ray Power:

Ray Power (Irlanda 1975) se graduó en el Dublin Institute of Technology en 1997 y después se trasladó a España. Colabora con LZF Lamps desde 1998, trabajando en proyectos de iluminación de diseño . Sus lámparas más recientes, Air (2008) y Link (2007), han sido galardonadas con los premios Red Dot y Chicago Good Design Award, respectivamente. Sus obras han sido expuestas en Milán, Valencia, Dublín, Madrid y Tokio. Su estilo se basa, en gran medida, en la geometría y tiene una habilidad innata para producir emocionantes formas tridimensionales a partir de materiales planos.  



La empresa, Luzifer (LZF):


LZF, HÁGASE LA LUZ


La historia de LZF Lamps comenzó el año 1995 en Valencia casi por casualidad. La idea de producir lámparas a base de chapas de madera surgió cuando los fundadores de la empresa, Mariví Calvo (Valencia, 1960) y Sandro Tothill (Brisbane, 1966), estaban trabajando con este material para hacer unos collages.

Poco después vino una exposición en el teatro Trapazi de Valencia con 247 lámparas (Mariví las denomina artefactos) creadas por los mejores diseñadores gráficos españoles del momento. El éxito del evento fue tal que posteriormente se realizó un montaje en el centro de la ciudad para su venta.

A partir de ahí, se constituyó la empresa, inicialmente llamada Luzifer, que ya contaba con un local propio y un grupo de colaboradores habituales.
  
En la actualidad, LZF está presente en casi todos los países del mundo. En el año 2001, la empresa comienza a investigar con un nuevo material Polywood®, que posteriormente patenta. A partir de entonces se centra en la utilización este tipo de chapa de madera como difusor de luz, siempre atendiendo a procesos que permitan una utilización comprometida de este material.

2003 es la fecha en que Isidro Ferrer diseña el logo actual de la firma. Y es en 2008 cuando se hace de nuevo un esfuerzo de síntesis en la empresa, que se plasma en el cambio de denominación, Luzifer pasó a llamarse a LZF; y en el traslado a las nuevas instalaciones de Chiva, situadas en las afueras de Valencia. Otro de los hitos de la compañía se produjo con la presentación de la colección “Light and Nature”, también en 2008, en la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia. Este evento supuso un rotundo reconocimiento en la prensa internacional.

En cuanto al diseño de producto, hay que resaltar la colaboración de dos diseñadores muy importantes para la empresa: Miguel Herranz (1997) y Ray Power (1998). El primero es el creador de modelos emblemáticos como la lámpara Hola, Margarita (1997), Mikado (2006, Premio Design Plus, Frankfurt) y Ánfora (2008), y Ray Power de la lámpara Alhambra (2000), Link (2006, Premio Design Plus, Frankfurt) o Air (2009, Premio Good Design-Chicago).

A estos, les han seguido muchos otros, claves para mantener la diversidad y conservar la frescura de ideas que caracteriza a la empresa. Entre los habituales, además de Miguel Herranz (España) y Ray Power (Irlanda), ya citados, se encuentran Burkhard Dämmer (Alemania) y Oscar Cerezo (España), Bang Design (Australia) y Luis Eslava (España).

La razón de ser de LZF siempre ha sido el producto. Su sello de identidad no son sólo sus lámparas como objeto sino también el ambiente que crean gracias a la textura, la calidad y el color que les aporta el Polywood, así como su forma de utilizarlo. Según sus propias palabras: “Porque aparte de suponer un aval importante, con ellos podemos mostrar el producto en toda su magnitud. Y, en consecuencia, llegar a un público más amplio, suscitando así su interés y convirtiéndose en un reclamo: la gente quiere este producto y no otro. Nuestra imagen habla de aquello que siempre tenemos presente: la naturaleza, la sensibilidad, la tranquilidad, el razonamiento, la calidad...”

Para el futuro, LZF se plantea seguir investigando con nuevos materiales y en nuevas formas de montaje, lo que desde sus comienzos ha sido imperativo en la empresa, pero también buscar mayor rigor si cabe en los acabados, el perfeccionamiento de las técnicas, la innovación en el diseño y mejorar las formas de transmitir y comunicar el producto.

Entre los últimos proyectos que ha llevado a cabo LZF destacamos el restaurante Copa América 33, Edificio Veles i Vents en Valencia, el Hotel Sheraton, Waikiki, en Honolulu y la iluminación de la oficina del Primer Ministro de Singapur.





DISEÑO MADE IN MURCIA “Barro cocido y trenza de esparto picado”


DISEÑO MADE IN MURCIA

Taburete, alfombra y lámpara de suspensión
Cristina Carpena y José Alburquerque

“Barro cocido y trenza de esparto picado”





Este proyecto de Cristina Carpena y José Alburquerque son dos diseñadores de producto de la Región de Murcia y miembros del colectivo Proceso Revival, participan en Distrito Artístico mostrando al público el proceso de creación de distintos objetos. Desde la primera idea hasta su desarrollo y materialización.

Este proyecto de artesanía y diseño es un trabajo de análisis, investigación y diseño  de nuevos productos basados en la tradición artesanal de la región de Murcia. Es el eje principal de su proyecto en Distrito Artístico.


Alfareros de Totana y estéreos de Blanca colaboran en este proyecto elaborando los prototipos de los diseños.










“Artesanía Española de Vanguardia.” 
“Innovación y Diseño en la Industrias Artesana Contemporáneas.”


Este libro muestra una serie de firmas de la artesanía española de vanguardia consideradas como ejemplares por su creatividad, su carácter innovador, la excelencia de producto, su interacción con el mundo de diseño o el desarrollo de su plan de negocio y de su comunicación. Se abarca desde proyectos personales de un solo artesano o de un equipo hasta grandes empresas o proyectos relevantes e innovadores de apoyo a una determinada artesanía local.










Alfareria en pasarela



Moisés Nieto es un joven diseñador de Úbeda, su profesión surge desde el terreno artístico. Comenzó diseñando mobiliario y gráfica publicitaria antes de sus inicios en su camino hacia el diseño textil. En 2012 finalizó su licenciatura de moda en IED Madrid.

En el libro “Artesanía Española de Vanguardia” podemos encontrar la colaboración que realizó con Alfarería Tito.
Tito (Juan Pablo), alfarero de Úbeda con ya 20 años de experiencia en el sector realizó para el diseñador una serie de piezas complemento.
Estas piezas fueron mostradas en la pasarela Mercedes Benz Fashion Week de Madrid de la mano de Moisés Nieto. Su inspiración a la hora de crear fue el nexo común entre los dos artistas, el mundo mediterráneo, esto hizo posible una mayor compenetración. Es un diseñador español que muestra un especial interés en el trabajo artesano (anteriormente del esparto como complemento a sus diseños en una colección basada en el hábito monacal cuya inspiración nació en una visita al ubetense Museo San Juan de la Cruz)

Esta mezcla de ingredientes ha sido posible gracias a la capacidad creativa de Nieto, ganador del Premio L´Oreal 2012 en El Ego de Cibeles y considerado una de las agujas transgresoras clave en la renovación de la moda española, quien vuelve a hacer un guiño a su tierra y a sus tradiciones, en este caso echando mano del arte alfarero, tan arraigado en Úbeda.

Con esta colaboración no sólo Moisés recibió el reconocimiento si no que Tito pudo también pudo acceder al Premio Nacional de Cerámica en 2011.